ATAULFO ALVES DE SOUZA - BIOGRAFIA

                     
              ATAULFO ALVES DE SOUZA- 1909/1969

Ataulfo Alves de Souza nasceu em Miraí, zona da Mata, em Minas Gerais, na Fazenda Cachoeira, em 2/5/1909. Teve suas primeiras lições de canto com o pai, "Capitão" Severino, repentista, violeiro e sanfoneiro.

Com a morte do pai, aos 10 anos, passou a morar no centro da cidade de Miraí, com a mãe e 6 irmãos. Sua infância ficou registrada em sua memória, e essa vida de menino pobre mas feliz foi o tema de Meus Tempos de Criança, composto anos mais tarde.

MEUS TEMPOS DE CRIANÇA
Ataulfo Alves

Eu daria tudo que eu tivesse 
Pra voltar aos dias de criança. 
Eu não sei pra quê que a gente cresce,
Se não sai da gente essa lembrança... 
Aos domingos, missa na matriz 
Da cidadezinha onde eu nasci... 
Ai, meu Deus, eu era tão feliz 
No meu pequenino Miraí!
Que saudade da professorinha, 
Que me ensinou o be-a-bá...
Onde andará Mariazinha 
- Meu primeiro amor - onde andará? 
Eu, igual a toda meninada 
Quanta travessura que eu fazia... 
Jogo de botões sobre a calçada... 
Eu era feliz e não sabia!

Executando pequenos trabalhos para ajudar a família, só em 1927 encontrou em Afrâno Moreira de Resende, médico recém-formado de Miraí, o passaporte para a cidade grande. 

Acompanhando o Dr. Afrânio em sua mudança para o Rio de Janeiro, logo se cansou dos serviços que fazia e procurou novos horizontes trabalhando em várias outras atividades. 

Casou-se em 1928, e dos cinco filhos do casal, dois revelaram dotes artísticos: Adeilton e Ataulfo Júnior.

Sua vida musical começou no Bloco Fala Quem Quiser, do Rio Comprido, em 1933, e suas primeiras composições musicais chamaram a atenção do engenheiro de gravações da RCA Victor, Mr. Evans, que imediatamente gravou três de seus sambas: Sexta-Feira, Tempo Perdido e Sonho. Em 1935 gravou Saudades do meu Barracão, e daí por diante seu nome firmou-se em plena ascensão. 

Em 1936, as vozes de Silvio Caldas e Carlos Galhardo colaboraram para o sucesso de Saudade dela, A você, Quanta tristeza.

Já conhecido no meio musical, Ataulfo começou a atrair parceiros como Claudionor Cruz e J. Pereira, mas o seu maior parceiro foi Wilson Batista. 

A dupla Ataulfo-Wilson Batista conquistou os carnavais de 1938 e 1940, com Ó seu Oscar, O Bonde são Januário, Eu não sou Daqui, e outras.

O excelente compositor seguia sua carreira compondo seus sambas, que poucos se atreviam a gravar. Orlando Silva foi responsável pelo sucesso de Errei, erramos, em 1941. Mas Ataulfo resolveu cantar ele próprio suas composições e Leva meu Samba foi sua primeira gravação como cantor. Pegaria verdadeiro gosto pela interpretação em 1942 cantando Saudades da Amélia!, um clássico composto em parceria com Mário Lago, depois de nenhum cantor querer gravá-lo.
                                 SAUDADES DA AMÉLIA
                                       Ataulfo Alves - Mário Lago

Nunca vi fazer tanta exigência,
Nem fazer o que você me faz.
Você não sabe o que é consciência,
Nem vê que eu sou um pobre rapaz.
Você só pensa em luxo e riqueza,
Tudo o que você vê você quer,
Ai, Meu Deus, que saudade da Amélia,
Aquilo sim, é que era mulher...
Às vezes passava fome ao meu lado
E achava bonito não ter o que comer.
E quando me via contrariado
Dizia: Meu filho, que se há de fazer?
Amélia não tinha a menor vaidade,
Amélia é que era mulher de verdade!
Amélia não tinha a menor vaidade,
Amélia é que era mulher de verdade!

Sua voz era afinada mas modesta, e o recurso do coro com vozes femininas deu origem ao conjunto que Pedro Caetano batizou provisoriamente de "Ataulfo Alves e suas Pastoras" mas que se tornou sua marca registrada. Ao conjunto "Ataulfo e suas Pastoras" deve-se o sucesso de muitas gravações nos anos seguintes. 

Dessa fase temos Leva meu samba, Oh! Seu Oscar, Vai, mas vai mesmo, Sei que é covardia, mas..., Meus tempos de criança, Bonde de São Januário, Vida da minha vida, Mais um samba popular, Não posso viver sem ela entre as mais conhecidas.

Suas composições têm um quê de tristeza, o que torna inconfundível a música de Ataulfo Alves, na análise de Mario Lago, seu grande parceiro.

Em 1954, compôs para um show na boate Casablanca, então o point da Praia Vermelha, um de seus maiores sucessos: Pois é, que mereceu uma tela pintada por Pancetti, em sua homenagem. Agradecido, Ataulfo compôs Lagoa Serena dedicando-a a Pancetti, e este retornou a homenagem oferecendo a tela a Ataulfo. O quadro "Lagoa Serena" está desaparecido, enquanto "Pois é" permanece em poder da família. Gravado só em 1955, Pois é tornou-se uma das obras inesquecíveis do compositor.

Em 1957 compôs o samba que melhor refletiu seu estilo nostálgico e melancólico: Meus tempos de criança, interpretado até hoje por quase todos os grandes cantores nacionais.

Ataulfo participou da caravana que Humberto Teixeira organizou em 1961 para divulgar a música brasileira na Europa. Entre as músicas dos shows, duas inéditas que fizeram sucesso posteriormente: Mulata Assanhada e Na cadência do Samba.

Um acontecimento nessa excursão mexeu com o coração do sensível Ataulfo. Numa apresentação em Estocolmo, antes de começar a cantar, um grupo na platéia entoou Saudades da Amélia, levando o cantor-compositor a chorar de emoção.

Também lhe coube representar o Brasil no 1º Festival Internacional de Arte Negra em Dakar, Senegal, em 1966.
O advento da bossa-nova envolveu Ataulfo em uma parceria com Carlos Imperial, e das muitas músicas produzidas, Você passa eu acho graça foi o maior sucesso. A gravação de Ai, que saudade da Amélia junto com Roberto Carlos é histórica.

Amélia dos Santos Ferreira - a musa inspiradora do clássico Ai, que saudade da Amélia, faleceu aos 91 anos de idade, em 27 julho de 2001, e era na época da composição a empregada da cantora Aracy de Almeida.

Em 1967 Laranja Madura conquistou o público de imediato.
De gestos finos e muito educado, Ataulfo Alves foi apontado pelo colunista social Ibrahim Sued como um dos homens mais elegantes do Brasil. 

Chegou a ter sua própria editora por volta de 1961, e soube empregar o dinheiro que ganhou, adquirindo bens que lhe permitiram viver tranquilamente.

Das curiosidades de sua vida, costumava "reger" seu conjunto com um lenço branco e esse lenço foi passado a seu filho Ataulfo Junior em 1965, quando sentia-se já enfraquecer por conta da úlcera duodenal que o levou em 1969, pouco antes de completar 60 anos.

Compôs mais de 320 músicas, e é apontado como uma das maiores produções da música popular brasileira em número e também em sucessos. Até falecer continuava em evidência, fato raro entre os compositores de sua geração.

Em Miraí, a rua onde morava recebeu seu nome, e a cidade prestou-lhe altas homenagens em 1 de maio de 1962.

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ANTONIO CANAL CANALLETO - BIOGRAFIA

Giovanni Antonio Canal - Canalleto - 1697 / 1768

01. Pintor e gravador veneziano, Giovanni Antonio Canal (1697-1768), conhecido como Canaletto,  foi considerado o maior pintor paisagista do século XVIII. Estudou em Roma e, de volta a Veneza, dedicou-se a pintar aspectos pitorescos da cidade. Entre 1746 e 1755 morou em Londres, onde a sua obra alcançou muita popularidade, ficando cada vez mais acurada nos detalhes topográficos,  com uma técnica mais leve e mais precisa, características essas notadas na maior parte dos seus trabalhos posteriores.  Em 1755 o artista retornou permanentemente a Veneza. Os seus últimos anos não foram tão notáveis artisticamente. Foi eleito membro da Academia de Veneza em 1763. A sua admissão foi primeiramente rejeitada porque os académicos não consideravam  a pintura de paisagens como uma expressão artística de relevo.   

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• 02. Giovanni Antonio Canal Canaletto 1697-1768 Londres: Northumberland House 1752 Óleo sobre tela 84 x 137 cm
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•  Northumberland House
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• 3. Londres - A Ponte de Westminster do lado Norte no Dia de Lord Mayor - 1746
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•           A Ponte de Westminster 
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• 4. As primeiras pinturas de Canaletto são as da campagna romana, anteriores a 1722. A partir dessa data a sua pintura versa, principalmente, sobre Veneza, os seus canais, igrejas e pontes. "A Praça de São Marcos" ( National Gallery of Art, Washington, DC ), "Vista do grande canal", "Escola da caridade", "A festa de San Rocco" ( National Gallery, Londres ) estão entre os quadros mais característicos dessa época. Roma – O Arco de Constantino - 1742
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• O Grande Canal Perto da Ponte di Rialto
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• Roma ruínas do Fórum Olhando para o Capitólio
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• 05. Empregando grandes constrastes de luz e sombra, Canaletto reproduz, com técnica admirável, detalhes arquitectónicos de Veneza, Roma e Londres. As suas paisagens, executadas com rigorosa precisão, são animadas pela riqueza cromática. Vista de um Rio em Pádua - 1742
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• A Praça de São Marcos, Veneza

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• La Piazza della Signoria a Firenze
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•   La Vigilia Di Santa Marta
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• 06. Depois do seu primeiro sucesso numa mostra, Canaletto fez vários trabalhos para um patrono, Stefano Conti, mas foram os coleccionadores ingleses que dominaram o mercado para as suas pinturas. De acordo com os costumes da época, para jovens da aristocracia inglesa era considerado de boa educação ir à Itália visitar Roma, Florença e Veneza, o que implicava a compra de refinados souvenirs . Canaletto supriu essa demanda com os seus quadros. O seu primeiro contacto foi com um irlandês, Owen McSwuiney, mas o mais importante foi Joseph Smith, um inglês residente em Veneza como Cônsul Britânico, que, consta, o incentivou a abordar outros aspectos de Veneza e de Roma que agradassem ao mercado de arte inglês. Smith reuniu uma preciosa colecção de trabalhos de Canaletto, posteriormente vendidos ao Rei George III e a outros nobres ingleses.
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• Interior da capela de Henrique VII, a Abadia de Westminster, c.1750
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• 07. Londres – O Tamisa e a Cidade - 1746-47
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• London Greenwich Hospital do banco norte do rio Tâmisa

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• 08. Ranelagh, Interior da Rotunda - 1754
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• Londres Ranelagh Interior da Rotunda 1754
• 09. Fim Trabalho realizado por: Catarina Ratinho.
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ANTÔNIO CARLOS JOBIM - BIOGRAFIA

                                                          ANTÔNIO CARLOS JOBIM

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim
* Rio de Janeiro, RJ – 25 de Janeiro de 1927
+ Nova Iorque, USA – 08 de Dezembro de 1994

Compositor, maestro, pianista, cantor, arranjador e violonista brasileiro.

É considerado um dos maiores expoentes da música brasileira e um dos criadores do movimento da Bossa Nova. Tom Jobim é um dos nomes que melhor representa a música brasileira na segunda metade do século XX e é praticamente uma unanimidade entre críticos e público em termos de qualidade e sofisticação musical.

Nasceu no bairro da Tijuca, no Rio de Janeiro, mudando-se logo com a família para Ipanema. A ausência do pai durante a infância e adolescência lhe impôs um contido ressentimento, desenvolvendo no maestro uma profunda relação com a tristeza e o romantismo melódico, transferido peculiarmente para as construções harmônicas e melódicas. Aprendeu a tocar violão e piano tendo aulas, entre outros, com o professor alemão Hans-Joachim Koellreutter, introdutor da técnica dodecafônica no Brasil.

No dia 15 de outubro de 1949, Antônio Carlos Jobim casou-se com Thereza Otero Hermanny, com quem teve dois filhos, Paulo (n. 1950) e Elizabeth (1957).

Em 30 de abril de 1986, ele casou-se com a fotógrafa e vocalista da extinta Banda Nova Ana Beatriz Lontra, que tinha a mesma idade de sua filha Elizabeth. Tom e sua segunda esposa tiveram dois filhos juntos, João Francisco (1979) e Maria Luiza (1987).

Pensou em trabalhar como arquiteto e chegou a se empregar em um escritório, mas logo desistiu e resolveu ser pianista. Tocava em bares e boates em Copacabana, como no Beco das Garrafas no início dos anos 50, até que em 1952 foi contratado como arranjador pela gravadora Continental. Além dos arranjos, também tinha a função de transcrever para a pauta as melodias de compositores que não dominavam a escrita musical. Datam dessa época as primeiras composições.

A primeira canção gravada, Incerteza (com Newton Mendonça), na voz de Mauricy Moura. Tereza da Praia, parceria com Billy Blanco, gravada por Lúcio Alves e Dick Farney pela Continental (1954), foi o primeiro sucesso. Depois disso participou de gravações e compôs com Billy Blanco a Sinfonia do Rio de Janeiro, além de outras parcerias com a cantora e compositora Dolores Duran (Se é por Falta de Adeus, Por Causa de Você).

Em 1956 musicou a peça Orfeu da Conceição com Vinícius de Moraes, que se tornou um de seus parceiros mais constantes. Dessa peça fez bastante sucesso a canção antológica Se Todos Fossem Iguais a Você, gravada diversas vezes. Tom Jobim fez parte do núcleo embrionário da bossa nova. O LP Canção do Amor Demais (1958), em parceria com Vinícius, e interpretaçãoes de Elizeth Cardoso, foi acompanhado pelo violão de um baiano até então desconhecido, João Gilberto. A orquestração é considerada um marco inaugural da bossa nova, pela originalidade das melodias e harmonias. Inclui, entre outras, Canção do Amor Demais, Chega de Saudade e Eu Não Existo sem Você.

A consolidação da bossa nova como estilo musical veio logo em seguida com o 78 rotações Chega de Saudade, interpretado por João Gilberto, lançado em 1959, com arranjos e direção musical de Tom, selou os rumos que a música popular brasileira tomaria dali para frente. No mesmo ano foi a vez de Sílvia Telles gravar Amor de Gente Moça, um disco com 12 canções de Tom, entre elas Só em Teus Braços, Dindi (com Aloysio de Oliveira) e A Felicidade (com Vinícius).

Tom foi um dos destaques do Festival de Bossa Nova do Carnegie Hall, em Nova York em 1962. No ano seguinte compôs, com Vinícius, um dos maiores sucessos e possivelmente a canção brasileira mais executada no exterior: Garota de Ipanema. Nos anos de 1962 e 1963 a quantidade de “clássicos” produzidos por Tom é impressionante: Samba do Avião, Só Danço Samba (com Vinícius), Ela é Carioca (com Vinícius), O Morro Não Tem Vez, Inútil Paisagem (com Aloysio), Vivo Sonhando. Nos Estados Unidos gravou discos (o primeiro individual foi The Composer of ‘Desafinado’ Plays, de 1965), participou de espetáculos e fundou sua própria editora, a Corcovado Music.

O sucesso fora do Brasil o fez voltar aos EUA em 1967 para gravar com um dos grandes mitos americanos, Frank Sinatra. O disco Francis Albert Sinatra e Antônio Carlos Jobim, com arranjos de Claus Ogerman, incluiu versões em inglês das canções de Tom (The Girl From Ipanema, How Insensitive, Dindi, Quiet Night of Quiet Stars) e composições americanas, como I Concentrate On You, de Cole Porter. No fim dos anos 60, depois de lançar o disco Wave (com a faixa-título, Triste, Lamento entre outras instrumentais), participou de festivais no Brasil, conquistando o primeiro lugar no III Festival Internacional da Canção (Rede Globo), com Sabiá, parceria com Chico Buarque, interpretado por Cynara e Cybele, do Quarteto em Cy. Sabiá conquistou o júri, mas não o público, que vaiou ostensivamente a interpretação diante dos constrangidos compositores.

Aprofundando seus estudos musicais, adquirindo influências de compositores eruditos, principalmente Villa-Lobos e Debussy, Tom Jobim prosseguiu gravando e compondo músicas vocais e instrumentais de rara inspiração, juntando harmonias do jazz (Stone Flower) e elementos tipicamente brasileiros, fruto de suas pesquisas sobre a cultura brasileira. É o caso de “Matita Perê” e “Urubu”, lançados na década de 70, que marcam a aliança entre a sofisticação harmônica de Tom e sua qualidade de letrista. São desses dois discos Águas de Março, Ana Luiza, Lígia, Correnteza, O Boto, Ângela. Também nessa época grava discos com outros artistas, casos de Elis e Tom, com Elis Regina, Miúcha e Tom Jobim e Edu e Tom. Passarim, de 1987, é a obra de um compositor já consagrado, que pode desenvolver seu trabalho sem qualquer receio, acompanhado por uma banda grande, a Nova Banda. Além da faixa-título, Gabriela, Luiza, Chansong, Borzeguim e Anos Dourados (com Chico Buarque) são os destaques.

Os arranjos do Maestro Leo Peracchi para este disco histórico foram apresentados na íntegra no cesc pompéia, S. Paulo, em 25 e 26 de agosto. As músicas tiveram a interpretação de Celine Imbert, Jane Duboc, Ná Ozzetti, Miriam Peracchi, Mônica Salmaso, Tetê Espíndola, e Vania Bastos. Acompanhamento da Orquestra Jazz Sinfônica.

Valendo-se ainda do filão engajado da pós-ditadura, cantou, ainda que com uma participação individual diminuta, no coro da versão brasileira de We are the world, o hit americano que juntou vozes e levantou fundos para a África ou USA for Africa. O projeto Nordeste Já (1985) abraçou a causa da seca nordestina, unindo 155 vozes num compacto, de criação coletiva, com as canções Chega de mágoa e Seca d´água. Elogiado pela competência das interpretações individuais, foi no entanto criticado pela incapacidade de harmonizar as vozes e o enquadramento de cada uma delas no coro.

É difícil escolher os mais significativos entre os mais de 50 discos de que participou, como intérprete ou arranjador. Todos eles têm algo de inovador, de diferente e especial. Seu último CD, Antônio Brasileiro, foi lançado em 1994, pouco antes da sua morte, em dezembro, nos EUA.

Biografias foram lançadas, entre elas Antônio Carlos Jobim, um Homem Iluminado, de sua irmã Helena Jobim, Antônio Carlos Jobim – Uma Biografia, de Sérgio Cabral, e Tons sobre Tom, de Márcia Cezimbra, Tárik de Souza e Tessy Callado.

Inexplicavelmente, a genialidade de Tom Jobim continua sempre mais reconhecida nos palcos internacionais que entre os brasileiros, que estão em melhores condições de apreciar a beleza de suas canções, por exemplo no que se refere à concatenação melodia e letra. Como traduzir “Caingá candeia, é o Matita Pereira(…)” “Passarinho na mão, pedra de atiradeira(…)” da canção “Águas de Março”?

O Aeroporto Internacional do Rio de Janeiro foi renomeado Aeroporto Internacional do Rio de Janeiro/Galeão – Antônio Carlos Jobim ‘, só por pressão junto ao Congresso Nacional de uma comissão de notáveis, formada por Chico Buarque, Oscar Niemeyer, João Ubaldo Ribeiro, Antônio Cândido, Antônio Houaiss e Edu Lobo, criada e pessoalmente coordenada pelo crítico Ricardo Cravo Albin.

Composições mais conhecidas

* “Chega de Saudade” (1957), o marco inicial da bossa nova

* “Água de Beber”

* “Desafinado” (1959), vencedora de três prêmios Grammy

* “Samba de Uma Nota Só” (1959)

* “A Felicidade” e “O Nosso Amor”, do filme Orfeu Negro (1959)

* “Insensatez” (com Vinícius de Moraes) (1960)

* “Garota de Ipanema” (com Vinícius de Moraes) (1963)

* “Fotografia” (1965)

* “Triste” (1967)

* “Wave” (1967)

* “Águas de Março” (1970)

* “Luísa”

* “Corcovado”

* “Dindi”

* “Retrato em Branco e Preto” (com Chico Buarque)

* “Samba do Avião”

* “Anos Dourados”

* “Eu te Amo”

* “Meditação”

* “Só Tinha de Ser com Você” (1974)

* “Sabiá”

* “Eu sei que vou te amar”

* “Falando de amor”

* “Ela é carioca”

Discografia

* Sinfonia do Rio de Janeiro – 1954

* Tom Jobim e Billy Blanco – 1960

* Brasília e Sinfonia da Alvorada – 1961

* Antônio Carlos Jobim – 1963

* Caymmi visita Tom – 1964

* Antônio Carlos Jobim com Nelson Riddle e sua Orquestra – 1964

* Getz/Gilberto featuring A. C. Jobim – 1964

* A Certain Mr. Jobim – 1965

* Love Strings & Jobim (Tom Jobim Apresenta) – 1966

* Wave – 1967

* Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim – 1967

* Compacto Duplo – 1968

* Tide – 1970

* Stone Flower – 1970

* Sinatra & Company.s – 1971

* Disco de Bolso – O Tom de Tom Jobim e o tal de João Bosco – 1972

* Matita Pere/Jobim – 1973

* Elis & Tom (com Elis Regina)- 1974

* Urubu – 1976

* Compacto Duplo – 1977

* Miúcha & Antônio Carlos Jobim – 1977

* Tom, Vinícius, Toquinho, Miúcha, gravado ao vivo no Canecão – 1977

* Miúcha e Tom Jobim – 1979

* Sinatra-Jobim Sessions – 1979

* Terra Brasilis I & II – 1980

* Edu & Tom / Tom & Edu – 1981

* Gabriela, Trilha do Filme – 1983

* O Tempo e o Vento – 1985

* Para Viver um Grande Amor, Trilha do Filme – 1985

* Rio Revisited (com Gal Costa) – 1987

* Passarim – 1987

* Tom Jobim (inédito) – 1987

* No Tom da Mangueira – 1991

* Antônio Brasileiro – 1994

* Antônio Carlos Jobim and Friends – 1996

* Antônio Carlos Jobim em Minas ao vivo: Piano e Voz – 2004

Bibliografia

* Helena Jobim: Antônio Carlos Jobim, um Homem Iluminado, Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1996.

* Luis Carlos Lisboa: A vida de Tom Jobim, Rio de Janeiro: Rio Cultura/Faculdades Integradas Estácio de Sá, 1983.

* Sérgio Cabral: Antônio Carlos Jobim – Uma Biografia, Rio de Janeiro: Lumiar, 1997.

* Márcia Cezimbra, Tárik de Souza e Tessy Callado: Tons sobre Tom.

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CELLINE BENVENUTO - BIOGRAFIA

                                     

                                               CELLINE BENVENUTO

Benvenuto Cellini nasceu em 03 de novembro de 1500, em Florença. Ele morreu na mesma cidade em 14 de fevereiro de 1571, o ano em que a frota cristã finalmente derrotou os turcos em Lepanto. 

                                                         SALEIRO DE CELLINE

Seu pai era um fabricante de instrumentos e músico na banda da Signoria. 

Na idade de 16 anos, Benvenuto foi exilado de Florença após uma briga. 

                                                                   PERSEU

Em seguida, ele vagou entre Bolonha, Pisa e Roma e estudou nas oficinas de ourives. Seu talento como um artesão chamou a atenção do Papa Clemente VII, que em 1529 nomeou-o chefe da oficina papal. 

Dois anos antes, em 1527, sob os olhos do mesmo papa, Benvenuto tinha lutado contra Lanzichenecchi de Carlo V, durante os nove meses do saque de Roma, e matou o Conestabile di Borbone com um tiro de arcabuz das paredes do Castel Sant'Angelo . 

Suas obras deste período (candelabros para o bispo de Salamanca, uma jóia para a família Chigi) foram perdidos. 

Graças à proteção do cardeal Ippolito d'Este, que escapou depois de passar apenas algumas noites na prisão após sua prisão por atacar três pessoas entre 1523 e 1530, matando o assassino de seu irmão Cecchino, um mercenário de Giovanni delle Bande Nere, e sendo condenado por sodomia. 

Durante um de seus inúmeros voos da lei, Cellini tornou-se um escultor bronze. 

Em 1535, em Veneza, ele encontrou Jacopo Sansovino, que lhe ensinou a técnica de fundição. Depois de regressar a Roma, em 1538, ele foi preso com a acusação de ter propriedade apropriou do Papa Clemente VII. 

Graças à proteção do cardeal Cornaro, ele escapou apenas alguns dias depois de sua captura. 

1540 encontrou em Fontainebleau, na corte de François I, juntamente com Rosso Fiorentino e Francesco Primaticcio. 

Três anos mais tarde, ele forjou o Saliera "monumento mesa" para o rei François.

 Em 1554 ele fugiu da França (suspeito de ter roubado a bolsa real). 

Em 1554, em Florença, ele criou sua obra-prima "Perseo", localizado na sombra do alpendre da Orcagna dei Lanzi. 

Em Madrid, ele esculpiu o Cristo para o Escorial partir de um único bloco de mármore (1556-1557). 

Em 1558 ele começou a escrever sua autobiografia, "La Vita", que com o poder de sua narrativa e seus exageros auto-referenciais e descritiva, continua a ser uma pedra angular da literatura italiana, traduzida para o alemão por Goethe em 1807. 

Em 1567 Benvenuto interrompido "La Vita" (que ficou incompleto) para escrever suas "tratados" em "Goldsmithing" e "Escultura", exemplos notáveis ​​de idéias educacionais e conhecimentos técnicos. 

Casou-se com Piera de Parigi "(em 1544 ele teve um filho depois de um caso com uma modelo). Três anos depois, em 1571, ele morreu em Florença. 

Ele foi enterrado na Igreja de Santa Maria Novella.

Fontes:
. La Vita (editado por E. Camecasca), Milano, 1968 
La Vita, trattati i, i Discursos (editado por P. Scarpellini), Roma, 1967.

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CÂNDIDO PORTINARI - BIOGRAFIA

                       Cândido Portinari

Cândido Portinari (1903-1962) foi um pintor brasileiro. 

Autor de quase cinco mil obras, entre elas os painéis "Guerra e Paz" da sede da ONU em Nova York e o mural da Biblioteca do Congresso em Washington. 

Estudou na Escola Nacional de Belas Artes no Rio de 

Janeiro, onde começou a se destacar. 

Passou dois anos em Paris que foram decisivos para criar o seu estilo. 

                                                         SERINGUEIROS

As exposições coletivas no Museu de Arte Moderna de Nova York, na década de quarenta, ao lado de artistas já consagrados, abrem o caminho para individuais em Nova York.

                                                    JANGADA DO NORDESTE

Cândido Portinari (1903-1962) nasceu em Brodowski, no interior de São Paulo, no dia 29 de dezembro de 1903.

                                                                GAÚCHOS

 Filho dos imigrantes italianos Batista Portinari e Domênica Torquato. 

                                                  VAQUEIROS DO NORDESTE

Aos seis anos já começa a desenhar. Não concluiu o curso primário. Aos 14 anos participa da restauração da Igreja de Brodowski. Aos 15 anos vai para o Rio de Janeiro estudar no Liceu de Artes e Ofícios e ingressa na Escola Nacional de Belas Artes onde estuda desenho e pintura. Logo se destaca e aos vinte anos expõe pela primeira vez no salão da Escola de Belas Artes.

                                                       BUMBA-MEU-BOI

Em 1923 ganha três prêmios com o retrato do escultor Paulo Mazzucchelli no Salão da Escola de Belas Artes.

 Em 1924 participa do salão com o quadro Baile na Roça. 

Em 1928 participa com o retrato do poeta Olegário 

Mariano, onde ganha como prêmio uma viagem para Europa. 

Em 1929 antes de viajar faz uma individual com 25 retratos.

                                                  RETRATO DE ANTONIO CALADO

Cândido Portinari viaja para Itália, Inglaterra, Espanha e Paris. Visita museus, faz estudos e quase não pinta. 

Passou dois anos em Paris e descobre a pintura moderna da Escola parisiense. 

Em 1930 conhece Maria Martinelli uma uruguaia de 19 anos, radicada em Paris e logo se casam. Em 1931 volta ao Rio de Janeiro.

Teve o seu quadro “O Café” premiado na mostra internacional, promovida pelo Instituto Carnegie de Nova York em 1935. A partir de então, sua obra passou a ser conhecida internacionalmente. 

Pintou os painéis Guerra e Paz da sede da ONU em Nova York e o mural da Biblioteca do Congresso de Washington. 

                                                                    FREVO

Suas pinturas que mais se destacaram: “São Francisco de Assis”, “A Primeira Missa no Brasil”, “Tiradentes” e a “Chegada de D. Jogo VI ao Brasil”. 

                                                                  SAMBA

Entre os retratos que pintou, os mais famosos são: o da mãe do pintor, o de Mário de Andrade, o de Olegário Mariano. Ilustrou também Graham Greene e André Maurois, para as edições de luxo da Livraria Gallinard.

Portinari gozava de merecido renome internacional, recebendo convites para exposições e encomendas de trabalhos de todo mundo. 

Morre em 6 de fevereiro de 1962, vítima de intoxicação das tintas que utilizava.

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