Translate

domingo, 28 de julho de 2013

CÂNDIDO PORTINARI - BIOGRAFIA

                       Cândido Portinari


Cândido Portinari (1903-1962) foi um pintor brasileiro. 

Autor de quase cinco mil obras, entre elas os painéis "Guerra e Paz" da sede da ONU em Nova York e o mural da Biblioteca do Congresso em Washington. 

Estudou na Escola Nacional de Belas Artes no Rio de 
Janeiro, onde começou a se destacar. 

Passou dois anos em Paris que foram decisivos para criar o seu estilo. 
                                                         SERINGUEIROS

As exposições coletivas no Museu de Arte Moderna de Nova York, na década de quarenta, ao lado de artistas já consagrados, abrem o caminho para individuais em Nova York.
                                                    JANGADA DO NORDESTE

Cândido Portinari (1903-1962) nasceu em Brodowski, no interior de São Paulo, no dia 29 de dezembro de 1903.

                                                                GAÚCHOS

 Filho dos imigrantes italianos Batista Portinari e Domênica Torquato. 

                                                  VAQUEIROS DO NORDESTE

Aos seis anos já começa a desenhar. Não concluiu o curso primário. Aos 14 anos participa da restauração da Igreja de Brodowski. Aos 15 anos vai para o Rio de Janeiro estudar no Liceu de Artes e Ofícios e ingressa na Escola Nacional de Belas Artes onde estuda desenho e pintura. Logo se destaca e aos vinte anos expõe pela primeira vez no salão da Escola de Belas Artes.

                                                       BUMBA-MEU-BOI

Em 1923 ganha três prêmios com o retrato do escultor Paulo Mazzucchelli no Salão da Escola de Belas Artes.

 Em 1924 participa do salão com o quadro Baile na Roça. 
Em 1928 participa com o retrato do poeta Olegário 
Mariano, onde ganha como prêmio uma viagem para Europa. 

Em 1929 antes de viajar faz uma individual com 25 retratos.

                                                  RETRATO DE ANTONIO CALADO

Cândido Portinari viaja para Itália, Inglaterra, Espanha e Paris. Visita museus, faz estudos e quase não pinta. 

Passou dois anos em Paris e descobre a pintura moderna da Escola parisiense. 

Em 1930 conhece Maria Martinelli uma uruguaia de 19 anos, radicada em Paris e logo se casam. Em 1931 volta ao Rio de Janeiro.

Teve o seu quadro “O Café” premiado na mostra internacional, promovida pelo Instituto Carnegie de Nova York em 1935. A partir de então, sua obra passou a ser conhecida internacionalmente. 

Pintou os painéis Guerra e Paz da sede da ONU em Nova York e o mural da Biblioteca do Congresso de Washington. 

                                                                    FREVO

Suas pinturas que mais se destacaram: “São Francisco de Assis”, “A Primeira Missa no Brasil”, “Tiradentes” e a “Chegada de D. Jogo VI ao Brasil”. 
                                                                  SAMBA

Entre os retratos que pintou, os mais famosos são: o da mãe do pintor, o de Mário de Andrade, o de Olegário Mariano. Ilustrou também Graham Greene e André Maurois, para as edições de luxo da Livraria Gallinard.

Portinari gozava de merecido renome internacional, recebendo convites para exposições e encomendas de trabalhos de todo mundo. 

Morre em 6 de fevereiro de 1962, vítima de intoxicação das tintas que utilizava.

**Clic no marcador e veja reunidas todas as postagens relacionadas***

quinta-feira, 25 de julho de 2013

WILLIAM BLAKE - BIOGRAFIA

                                                                 WILLIAM BLAKE

O poeta e artista plástico inglês William Blake  nasceu em Londres, capital da Inglaterra, no Soho, famoso bairro londrino, no dia 28 de novembro de 1757. 

Nesta cidade ele passou boa parte de sua existência. Seu pai era um próspero comerciante, um produtor no ramo da confecção, enquanto sua mãe zelava pela formação dos quatro filhos.

William dedicou boa parte de sua infância à leitura e ao desenho. Ao completar dez anos ele entrou em uma escola de desenho e passou a produzir estampas em reproduções de imagens de objetos antigos da Grécia, adquiridas pelo seu pai, e a criar ilustrações para poemas escritos por ele mesmo. A Sagrada Escritura era sua mais dileta inspiração.

O artista afirmava ver, desde cedo, anjos e outras figuras celestiais à sua volta, os quais ele reproduzia em sua obra, tanto na pintura considerada de natureza fantástica, quanto em seus poemas ilustrados. 

Aos quatorze anos, em agosto de 1772, ele se tornou discípulo do célebre estampador James Basire. Ele permaneceu a seu lado até completar 21 anos, tornando-se graças a esse convívio um exímio artista.

Neste período Blake também iniciou suas pesquisas e obras sobre as igrejas londrinas, especialmente sobre a Abadia de Westminster, com seu estilo gótico, que o impressionava vivamente. O resultado deste empenho do artista foi a realização de estampas nestes templos, principalmente nesta catedral, trabalho no qual seu talento se desenvolveu de forma acentuada.

Ao final deste aprendizado, ele ingressou na The Royal Academy, consagrada escola de arte londrina. Ele conquistou uma bolsa integral, mas teve que custear o material do curso ao longo de seis anos. 

Suas concepções sobre a arte floresceram nesta época, imprimindo-lhe idéias próprias, constantemente contrárias ás de seus mestres e companheiros.

A produção artística de Blake teve como cenário um momento histórico único, o desenvolvimento dos ideais iluministas e a eclosão da Revolução Industrial inglesa. Ele encontrou uma paisagem literária completamente adaptada às imposições sociais, aos padrões clássicos do período ‘augustano’. William Blake divergiu desse conformismo e, seguindo o ideário romântico, não fechou os olhos para a miséria, o sofrimento humano e as terríveis injustiças que ele encontrava a sua volta.

Ele se tornou o pioneiro no Romantismo inglês, além de atuar nas artes plásticas e como impressor, tornando-se igualmente um dos principais gravadores da Inglaterra. Seus primeiros poemas foram publicados em 1792 na obra intitulada Poetical Sketches. Em sua poesia ele apela particularmente ao recurso métrico do verso em branco, uma peculiar marca da era Elizabetana.

Algumas de suas poesias, porém, foram lançadas de 1784 em diante, entre elas ‘Song of Innocence’, ‘The Book of Thel’ e ‘The Marriage of Heaven and Hell’, impressas e estampadas pelo próprio artista com a parceria de sua esposa, Catherine Boucher, a quem ele alfabetizou e iniciou na arte tipográfica.

William Blake produzia não só as ilustrações de sua obra, mas igualmente a de seus companheiros. Entre seus principais trabalhos estão as ilustrações de clássicos como “O livro de Jó” da Bíblia, “A Divina Comédia” de Dante Alighieri – tarefa infelizmente suspensa por sua morte, que o colheu em meio a esta prática exaustiva, que o levava a ignorar suas terríveis condições de saúde – entre outros.

A genialidade de Blake foi reconhecida apenas depois de sua morte, pois em vida ele era visto pelos outros como um excêntrico que se empenhava em combater o avanço da Ciência e da razão, enquanto afirmava dialogar com os anjos que o acompanhavam desde a infância. 

Atualmente, na Austrália, um prêmio de natureza religiosa é anualmente entregue em honra ao seu trabalho – o Blake Prize for Religious Art (Prêmio Blake para Arte Sacra).

**Clic no marcador e veja reunidas todas as postagens relacionadas***

domingo, 21 de julho de 2013

ANTONIO ALLEGRI CORREGGIO - BIOGRAFIA


ANTONIO ALLEGRI - CORREGGIO

Antonio Allegri, pintor renascentista italiano, mais conhecido como Correggio, nasceu numa localidade perto de Parma, provavelmente em 1494, e morreu em 1534. 
                                                                  MADALENA

Em Mântua, teria sido discípulo de Mantegna. Mas a influência mais marcante, como de resto para todos os artistas da Itália setentrional, foi a de  Leonardo da Vinci. 

Aperfeiçoou a técnica de esbatidos, os efeitos subtis de luze sombra e desenvolveu uma conceção do espaço muito própria, antecipando assim  certas qualidades do Barroco e da pintura francesa do século XVIII.

                                                                        DAVI

Instalou-se em Parma e executou os primeiros frescos no Convento de S. Paulo, 
demonstrando o conhecimento da obra de Michelangelo Buonarroti. 

Em 1520 iniciou A Ascensão de Cristo, um fresco da cúpula da Igreja de S. João Batista. Entre 1526 e 1530 trabalhou na decoração da Catedral de 
Parma, no fresco Ascensão, e  o domínio perfeito da técnica do claro-escuro é patente na sensação de ilusão criada pela perspetiva. 

                                                                   MADONNA

Mercúrio Ensinando Cupido perante Vénus e Júpiter e Antíope são as 
últimas obras de Correggio e foram encomendadas pelo duque de Mântua

Constam de temas inspirados pela mitologia greco-latina, representando nus sensuais que exprimem uma suavidade de traçoclaramente explorada pela arte do século XVIII.

**Clic no marcador e veja reunidas todas as postagens relacionadas***

sexta-feira, 19 de julho de 2013

ANTONIN ARTAUD - BIOGRAFIA


Antonin Artaud nasceu em Marselha, no dia 4 de setembro de 1896, e faleceu em Paris, no dia 4 de março de 1948. Foi um poeta, ator, roteirista e diretor de teatro francês.

Em 1937, Antonin Artaud, devido a um incidente, é tido como louco. Internado em vários manicômios franceses, cujos tratamentos são hoje duvidosos, ele é transferido após seis anos para o hospital psiquiátrico de Rodez, onde permanece ainda três anos.
Em Rodez, Artaud estabelece com o Dr. Ferdière, médico-responsável do manicômio, uma intensa correspondência. Uma relação ambígua se estabelece entre os dois: o médico reconhece o valor do poeta e o incentiva a retomar a atividade literária mas, julgando a poesia e o comportamento de seu paciente muito delirante, ele o submete a tratamentos de eletrochoque que prejudicam sua memória, seu corpo e seu pensamento.
Existe aqui um afrontamento entre dois mundos, o da medicina e razão social e o do poeta cuja razão ultrapassa a lógica normal do “homem saudável”.
As cartas escritas de Rodez são para Artaud um recurso para não perder sua lucidez. Elas revelam um homem em terrível estado de sofrimento, nos falando de sua dor através de uma escritura mais íntima e mais espontânea. São os diálogos de um desesperado com seu médico e através dele com toda a sociedade.
“Não quero que ninguém ignore meus gritos de dor e quero que eles sejam ouvidos”.
Para Artaud, o teatro é o lugar privilegiado de uma germinação de formas que refazem o ato criador, formas capazes de dirigir ou derivar forças.
Em 1935 Artaud conclui o "Teatro e seu Duplo" (Le Théâtre et son Double), um dos livros mais influentes do teatro deste século. Na sua obra ele expõe o grito, a respiração e o corpo do homem como lugar primordial do ato teatral, denuncia o teatro digestivo e rejeita a supremacia da palavra. Esse era o Teatro da Crueldade de Artaud, onde não haveria nenhuma distância entre ator e platéia, todos seriam atores e todos fariam parte do processo, ao mesmo tempo.
Em Rodez, além de suas cartas (lettres au docteur Ferdière) ele elabora uma prática vocal, apurada dia a dia, associada à manifestações mágicas. A voz bate, cava, espeta, treme, a palavra toma uma dimensão material, ela é gesto e ato.
Artaud volta a Paris em 1946, onde dois anos depois é encontrado morto em seu quarto no hospício do bairro de Ivry-sur-Seine. Neste período, além de uma importante produção literária ele desenha, prepara conferências e realiza a emissão radiofônica "Para acabar com o juízo de Deus" (Pour en finir avec le jugement de dieu), onde sua vontade expressiva se alia a um formalismo cuidadoso.
Se nos anos 30 o teatro para Artaud é “o lugar onde se refaz a vida”, depois de Rodez ele é essencialmente o lugar onde se refaz o corpo. O “corpo sem órgãos” é o nome deste corpo refeito e reorganizado que uma vez libertado de seus automatismos se abre para “dançar ao inverso”.
“A questão que se coloca é de permitir que o teatro reencontre sua verdadeira linguagem, linguagem espacial, linguagem de gestos, de atitudes, de expressões e de mímica, linguagem de gritos e onomatopéias, linguagem sonora, onde todos os elementos objetivos se transformam em sinais, sejam visuais, sejam sonoros, mas que terão tanta importância intelectual e de significados sensíveis quanto a linguagem de palavras.”
O seu trabalho ainda inclui, ensaios e roteiros de cinema, pintura e literatura, diversas peças de teatro, inclusive uma ópera, notas e manifestos polêmicos sobre teatro, ensaios sobre o ritual do cacto mexicano peyote entre os índios Tarahumara (Les Tarahumaras), aparições como ator em dois grandes filmes e outros menores. Artaud escreveu: "Não se trata de assassinar o público com preocupações cósmicas transcendentes. O fato de existirem chaves profundas do pensamento e da ação segundo as quais todo espetáculo é lido é coisa que não diz respeito ao espectador em geral, que não se interessa por isso. Mas de todo o modo é preciso que essas chaves estejam aí, e isso nos diz respeito" - em TEATRO E SEU DUPLO.
**Clic no marcador e veja reunidas todas as postagens relacionadas***

quarta-feira, 17 de julho de 2013

YÁCONIS BECKER - BIOGRAFIA


Cleyde Becker Yáconis nasceu em Pirassununga, São Paulo, em 14 de novembro de 1923. 
As dificuldades da sua infância pobre aumentam aos 4 anos de idade quando o pai abandona a família. 
Incentivada pela mãe professora, faz o curso normal e, simultaneamente, o de enfermagem, com a ideia de se formar em medicina. 
Em 1950, levada pela irmã Cacilda Becker, trabalha no guarda-roupa do Teatro Brasileiro de Comédia (TBC). Mesmo sem intenção de se tornar atriz, substitui Nydia Licia no papel de Rosa Gonzalez, em O Anjo de Pedra, de Tennessee Williams. Por sua atuação, Ziembinski a convida para o papel de Annette, em Pega-fogo, de Jules Renard. Com isso, desiste de prestar exame para a Faculdade de Medicina.
No ano seguinte, 1951, torna-se a atriz-revelação do teatro paulista, premiada pela Associação Paulista de Críticos Teatrais (APCT), por sua atuação em Ralé, de Maximo Gorki. 
De 1950 a 1964 participa de 35 montagens no TBC, entre as quais, Santa Marta Fabril S.A., de Abílio Pereira de Almeida (1955); Adorável Júlia, de Marc-Gilbert Sauvajon (1957); e A Morte do Caixeiro-viajante, de Arthur Miller (1962). 
Mas é em 1953 que ganha seu primeiro grande papel no TBC, a Senhora Flora, protagonista de Assim É  Se lhe Parece, de Luigi Pirandello, quando abiscoita o Prêmio Governador do Estado como melhor atriz do ano. Em Maria Stuart, de Schiller(1955), também é premiada como melhor atriz: Prêmio Saci.
Três anos depois, ao lado de Cacilda Becker, Ziembinski, Walmor Chagas e Fredi Kleeman, funda o Teatro Cacilda Becker. A companhia estreia com O Santo e a Porca, de Ariano Suassuna, em maio de 1958. Em 1964 tem outro desempenho consagrador: vive nos palcos Yerma, de Garcia Lorca, dirigida por Maurice Vanneau.
Durante a temporada de Vereda da Salvação, de Jorge Andrade, é detida pela ditadura militar, mas o prestígio de Cacilda faz com que seja liberada. 
Desliga-se do TBC e, em 1965, a convite de Nelson Rodrigues, aceita viver a prostituta Geni de Toda a Nudez Será Castigada, com direção de Ziembinski. Por seu desempenho é premiada com o Molière. 
Em 1966 integra o Grupo Opinião em Se Correr o Bicho Pega, Se Ficar o Bicho Come, de Oduvaldo Vianna Filho e Ferreira Gullar, com direção de Gianni Ratto. 
Em 1967 substitui Teresa Rachel em Édipo Rei, de Sófocles, e dá vida a outra grande personagem, Jocasta, a mãe de Édipo, este vivido por Paulo Autran, sob a direção de Flávio Rangel.

Em 1976 faz A Rainha do Rádio, de José Safiotti Filho, direção de Antonio Abujamra. Em 1988 dá início à parceria com o diretor Ulysses Cruz com Cerimônia do Adeus, de Mauro Rasi, em que interpreta Simone de Beauvoir. Em 1995, com o mesmo diretor, atua em Péricles, Principe de Tiro, de Shakespeare.
No cinema, atua em Na Senda do Crime, de Flamínio Bollini Cerri (1954); A Madona de Cedro, de Carlos Coimbra (1968); Parada 88 – O Limite de Alerta, de José de Anchieta (1977); Dora Doralina, de Perry Salles (1982); e Jogo Duro, de Ugo Giorgetti (1985). Em 2000 roda ao lado de Dirce Migliaccio o curta-metragem Célia e Rosita, de Gisella de Mello, em homenagem às atrizes Célia Biar e Rosita Thomaz Lopes, filme no qual vive Rosita.

Televisão
Entra para a televisão em 1966, na TV Paulista, mas logo é levada por Cassiano Gabus Mendes para a TV Tupi de São Paulo, onde aparece nas novelas O Amor Tem Cara de Mulher (1966),Mulheres de Areia (1973) e Gaivotas (1979). Na TV Globo, faz Rainha da Sucata (1990), Vamp(1991) e As Filhas da Mãe (2001). Em 2006, na TV Record, trabalha em Cidadão Brasileiro.
Em teatro, brilha mais uma vez em 2002 ao lado de Sergio Britto, em Longa Jornada de um Dia Noite Adentro, de Eugene O’Neill, sob a direção de Naum Alves de Souza. 
Em 2003 conquista o Grande Prêmio da Crítica da Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA) pelo conjunto da obra. Neste mesmo ano, recebe o Prêmio Nacional Jorge Amado de Literatura & Arte do Governo da Bahia. 
Em 2005 é agraciada com a Ordem do Mérito Cultural do Ministério da Cultura. Por sua interpretação na primeira montagem brasileira de Cinema Éden, de Marguerite Duras, com direção de Emílio Di Biasi, é indicada em 2005 para o Prêmio Shell de Teatro.
Em 2006 protagoniza A Louca de Chaillot, de Jean Giradoux, peça inédita nos palcos brasileiros, sob o comando dos jovens diretores Ruy Cortez e Marcos Loureiro.
Longe dos refletores, das festas e da metrópole paulista, é mulher de hábitos simples. Em contato com a natureza, em seu sítio a 28km da capital, desfruta uma vida tranquila ao lado de seus cachorros, de seus passarinhos e de suas árvores.
**Clic no marcador e veja reunidas todas as postagens relacionadas***

ANNIBALE CARRACCI - BIOGRAFIA

                                            ANNIBALE CARRACCI - AUTO - RETRATO

03 de novembro de 1560 - julho de 15-1609 Nascido em Bolonha - Itália.

Annibale Carracci foi cercado por artistas em sua vida familiar, passando a colaborar com eles também. 

Com seu primo, Ludovico Carracci (1555 - 1619) e seu irmão, Agostino (1557 - 1602), Annibale ajudou a forjar um estilo influente para a Escola Bolognese da pintura. 

Este foi um impacto quase auto-profetizado pela família, uma vez que abriu um estúdio em 1582, a Academia da Incamminati (ou Desiderosi), no qual Incamminati significava academia 'progressista' ou 'para abrir um novo caminho. " No entanto, a família Carracci, especialmente Annibale, desenvolveu um modelo único, carregado de tanto a influência florentino de Rafael e Sart, bem como os pintores venezianos. 

Sua academia passou a ser chamada de Escola de Carracci, ou às vezes a Escola dos Eclectics. 


                                    O BEANEATER

Colaborando juntos sob o nome de Carracci, os dois irmãos e um primo pintou afrescos no Palazzo Fava. As peças, terminou entre 1583 e 1584, descreveu a história de Jason da mitologia. 
                                           CRISTO COM A COROA DE ESPINHOS

Annibale e Agostino também se reuniram em Parma a trabalhar juntos, como Annibale viajou para Veneza. 

Voltando a Bolonha a família Carracci reunido para pintar afrescos para o Palazzo Magnani em 1585 e depois novamente entre 1593-1594 em afrescos para o Palazzo Sampieri. 


                                                       MADONNA DA ANDORINHA

Annibale foi muitas vezes considerado o pintor mais talentoso do nome Carracci, devido a um estilo individual do exalava o dos grandes mestres. Seu desenho detalhado, a sutileza das cores e graciosa abordagem muitas vezes o elevou em comparação com Raphael. Enquanto pintava um retábulo, Virgem no trono com St. John e St. Catherine , com um outro pintor Bolognese, Lucio Massari (1569 - 1633), Annibale também pintou sua Ressurreição de Cristo ea Assunção para a capela Bonasoni antes de 1593. 


                                                            VIRGEM E O MENINO

Estas peças começou a mostrar o seu próprio estilo, mas não foi até o Cardeal Odoardo Farnese encarregou-o de fazer um afresco dramático no Palazzo Farnese, em Roma, que sua reputação foi solidificada. O teto, um ciclo de afrescos intitulado Os amores dos deuses , (criada entre 1597-1608) é frequentemente considerado o trabalho ao ar livre mais poderoso de seu tempo e conhecido por ser obra de Annibale. todo estúdio de Annibale colaborou no afresco, incluindo seu irmão Agostino . 


                                                      MADALENA PENITENTE

Não se sabe o porquê, mas Agostino deixou o projeto no início, com um rumor de que era devido ao ciúme de Annibale ou sua relação argumentativa. Aníbal também criou impressionantes pedaços de paisagem, como Fuga para o Egipto em 1603, em que os seres humanos se tornaram acessórios de paisagens ousadas. 

Este estilo foi adotado por Annibale do aluno Domenico Zampieri (1581 - 1641) da Escola Bolognese e pintores barrocos posteriores, como Claude Lorrain (1600 - 1682) da França. 


                                                                    BACCO

O legado de Annibale Carracci trazia consigo uma profunda influência dos mestres italianos, mas também o seu próprio toque. Ele criou uma série de obras ao longo de sua vida, incluindo suas peças na Galeria Uffizi, Vênus com um Satyr e cupidos (1592), e um homem com um macaco . 

Suas principais realizações foram seus afrescos, mas também pinturas que agora pendem ao longo museus e galerias em Roma, Florença, Bolonha, Paris, São Petersburgo, Madrid, Dresden e Viena.

**Clic no marcador e veja reunidas todas as postagens relacionadas***